Questi dodici film dimostrano che il disagio cinematografico nasce spesso dal verosimile, dall’umanità, dalle dinamiche familiari e dalle verità che preferiamo ignorare. Sono opere che non fanno urlare, ma che lasciano svegli la notte.

Dogtooth (2009)

Yorgos Lanthimos firma un racconto claustrofobico su una famiglia isolata dal mondo, manipolata da un padre che reinventa la realtà. Un film che disturba per la sua freddezza e per la sua capacità di insinuarsi lentamente nella psiche dello spettatore.

Il sacrificio del cervo sacro (2017)

Ancora Lanthimos, ancora un viaggio nell’assurdo. Un chirurgo vede la sua vita sgretolarsi quando un ragazzo enigmatico entra nella sua quotidianità. Una spirale psicologica glaciale, simbolica e devastante.

The Lighthouse (2019)

Due guardiani del faro intrappolati su un’isola remota. Bianco e nero, formato quadrato, suoni ossessivi. Eggers costruisce un incubo psicologico che non ha bisogno dell’horror per terrorizzare, perfetto nella categoria dei film disturbanti non horror.

Saltburn (2023)

Barry Keoghan interpreta Oliver, un ragazzo che si insinua nella vita di una famiglia aristocratica. Tra manipolazioni, ossessioni e segreti, il film diventa un crescendo di scene disturbanti impossibili da dimenticare.

Parasite (2019)

Il capolavoro di Bong Joon‑ho è un thriller sociale che esplora le disuguaglianze con una precisione chirurgica. La tensione cresce fino a un finale scioccante che rimane impresso per giorni.

The Menu (2022)

Una dark comedy ambientata in un ristorante stellato che si trasforma in un incubo gastronomico. Ogni portata è una provocazione, ogni dialogo un colpo allo stomaco. Una satira feroce e disturbante.

Shutter Island (2010)

Martin Scorsese costruisce un thriller psicologico che confonde e destabilizza lo spettatore fino all’ultimo fotogramma. Un’esperienza opprimente che rimane addosso.

Il mondo dietro di te (2024)

Una vacanza a Long Island si trasforma in un incubo quando un blackout totale sconvolge la città. Due famiglie si ritrovano intrappolate in una situazione che peggiora di minuto in minuto, costrette a prendere decisioni cruciali per la sopravvivenza.

La tensione nasce dal verosimile: ciò che all’inizio sembra impossibile diventa sempre più plausibile, fino a sembrare inevitabile. La paranoia cresce, le dinamiche familiari si incrinano, la civiltà si sgretola. Un film che inquieta perché potrebbe accadere davvero.

Il labirinto del fauno (2006)

Guillermo del Toro mescola fantasy oscuro e brutalità della guerra. Ofelia scopre un mondo magico, ma la realtà del patrigno Vidal è ancora più spaventosa. Un film che sciocca per la sua bellezza e per la sua crudeltà. Del Toro ancora una volta si rivela il maestro dei film disturbanti non horror.

Irreversible (2002)

Gaspar Noé firma uno dei film più controversi di sempre. Raccontato al contrario, mostra prima l’orrore e poi le vite che lo precedono. Scene estreme, violenza cruda, una colonna sonora opprimente. Un’esperienza che rimane nella mente per giorni.

La zona di interesse (2024)

La storia di Rudolf Höß, comandante di Auschwitz, raccontata dalla villa accanto al campo. Il film non mostra mai direttamente l’orrore, ma lo fa sentire: urla, rumori, presenze invisibili. L’inquietudine nasce dalla normalità con cui la famiglia vive accanto al massacro. Un capolavoro disturbante di film disturbanti non horror.

Il Buco (2019)

Una distopia verticale: una piattaforma di cibo scende ogni giorno, e chi sta in alto mangia tutto, lasciando chi sta in basso a morire. Un sistema crudele che rivela il lato più oscuro dell’essere umano. Non è horror, ma è devastante.

Film disturbanti non horror, il cinema disturbante vive dove non te lo aspetti

Questi dodici film dimostrano che la paura più autentica non nasce dai mostri, ma dalle persone, dalle dinamiche sociali, dalle ossessioni e dalle verità che preferiamo ignorare. Il cinema disturbante è vivo, potente e sorprendente — e continua a ridefinire i confini della tensione psicologica.

Se cerchi storie che ti rimangano addosso, queste sono le più efficaci.

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September 5 non racconta l’attentato dal punto di vista degli atleti, della polizia o degli attentatori. Il film resta quasi sempre all’interno della sala di controllo della ABC Sports, seguendo i giornalisti e i tecnici che, arrivati a Monaco per raccontare le Olimpiadi, si ritrovarono improvvisamente a dover gestire una delle più drammatiche dirette televisive della storia. Ed è proprio questo aspetto ad aver reso il film così particolare.

Dietro September 5 ci sono anche tantissime curiosità, dettagli nascosti e soprattutto un lavoro enorme per ricreare nel modo più realistico possibile quello che accadde dietro le quinte della televisione americana.

September 5: la nascita del progetto

Durante la preparazione di September 5, Tim Fehlbaum e gli sceneggiatori entrarono in contatto con Geoffrey Mason, il giovane produttore della ABC Sports che quel giorno si trovava realmente nella sala di controllo. Nel film Mason è interpretato da John Magaro. Fu proprio ascoltando i suoi racconti che il regista capì quale dovesse essere il vero punto di vista della storia.

Mason raccontò infatti quello che successe dietro le telecamere: la difficoltà di capire cosa stesse realmente accadendo, la necessità di verificare le informazioni, le comunicazioni con i giornalisti all’esterno e soprattutto il problema di decidere cosa mostrare oppure non mostrare in diretta. Il vero Geoffrey Mason collaborò anche alla sceneggiatura. Non come sceneggiatore, naturalmente, ma come consulente.

Gli autori gli mostrarono diverse versioni del copione di September 5 per controllare che il linguaggio utilizzato nella sala di controllo e le procedure televisive fossero credibili. Ed è grazie anche a lui se nel film sentiamo, per esempio, chiamare il satellite “The Bird”.Non è un’invenzione cinematografica. Era realmente uno dei termini utilizzati dagli operatori televisivi per indicare il satellite attraverso cui venivano trasmesse le immagini.

La difficoltà di andare in diretta da ogni parte del mondo

Oggi siamo abituati alle dirette immediate da qualsiasi parte del mondo. Nel 1972, invece, ottenere uno spazio satellitare per trasmettere negli Stati Uniti era una vera operazione tecnica e logistica. Ed è anche questo uno degli elementi che crea tensione in September 5.

Un altro dettaglio interessante riguarda la durata reale degli eventi. Nel film sembra che tutto accada in pochissimo tempo. In realtà la crisi durò circa 22 ore. Ovviamente era impossibile raccontare ventidue ore in un film di circa un’ora e mezza. Per questo Fehlbaum e gli sceneggiatori compressero molti eventi, unendo situazioni e responsabilità che nella realtà erano distribuite tra diverse persone.

Ed è proprio qui che entra in gioco un altro personaggio importante: Marianne, interpretata da Leonie Benesch. Marianne non corrisponde a una singola persona realmente esistita. È un personaggio composito, creato dagli sceneggiatori di September 5 mettendo insieme esperienze e funzioni di diverse persone presenti quel giorno. E proprio per rendere più autentico il suo ruolo, durante la preparazione del film venne fatta una scelta piuttosto particolare.

La scelta di “allontanare” Leonie Benesch dal set di September 5

Marianne entra nella squadra della ABC come una sorta di outsider: è tedesca, lavora con gli americani e inizialmente non fa realmente parte del gruppo. Per creare quella stessa sensazione anche sul set, Leonie Benesch venne volutamente tenuta lontana da alcuni incontri di preparazione con gli altri attori.

In questo modo, quando iniziò a girare, quella sensazione di estraneità era in parte reale. Ma la vera ossessione della produzione di September 5 fu soprattutto la sala di controllo. Quella originale della ABC non esisteva più nelle condizioni del 1972 e quindi venne praticamente ricostruita da zero.

Lo scenografo Julian Wagner e la sua squadra studiarono fotografie, planimetrie, vecchi cataloghi e materiale d’archivio. Soprattutto iniziarono una vera caccia alle apparecchiature televisive degli anni Settanta. Molti degli strumenti utilizzati nel film vennero recuperati da magazzini televisivi, collezioni private e musei sparsi in Europa. E la cosa più incredibile è che buona parte di quelle apparecchiature non era soltanto decorativa. Funzionava davvero.

La realtà dietro la scenografia di September 5

Monitor, telefoni, cuffie, walkie-talkie e diversi strumenti della sala di controllo vennero restaurati in modo che gli attori potessero usarli realmente durante le riprese. Questo significa che John Magaro e gli altri interpreti non stavano semplicemente fingendo di premere pulsanti su una console. In molti casi stavano davvero utilizzando le apparecchiature.

E anche i monitor presenti nella stanza mostravano realmente le immagini che vediamo nel film. Gli attori quindi non dovevano immaginare quello che sarebbe stato aggiunto successivamente con gli effetti visivi. Potevano reagire direttamente ai filmati che scorrevano davanti a loro.

Questo contribuì moltissimo al realismo delle interpretazioni. John Magaro, poi, si preparò in maniera molto approfondita. Per interpretare Geoffrey Mason trascorse settimane osservando il funzionamento delle moderne regie sportive e studiando il modo in cui produttori e registi comunicano durante una diretta.

Arrivò persino a esercitarsi a casa guardando eventi sportivi e provando a “dirigere” mentalmente la trasmissione, decidendo quale telecamera utilizzare e quando cambiare inquadratura. E qui troviamo anche una delle coincidenze più curiose del film. John Magaro aveva già lavorato in una produzione dedicata all’attentato di Monaco. Quasi vent’anni prima di September 5, infatti, era apparso in Munich di Steven Spielberg, il film del 2005 dedicato alle conseguenze dell’attentato. Per Magaro fu uno dei primi lavori nel mondo del cinema.

Quando la realtà supera la funzione sul set

Anche il modo in cui venne costruito il set contribuì alla tensione. Normalmente le scenografie cinematografiche hanno pareti removibili, che possono essere spostate per permettere alla macchina da presa e alla troupe di muoversi più facilmente. Qui invece si decise di costruire l’ambiente quasi come una vera sala operativa.

Gli spazi erano stretti, le telecamere dovevano muoversi tra gli attori e la sensazione di claustrofobia che vediamo nel film era quindi in parte reale. C’è addirittura un altro dettaglio. Secondo i ricordi di Geoffrey Mason, durante quelle ore del 1972 nella sala di controllo faceva molto caldo. Per replicare quella sensazione, durante alcune riprese la produzione arrivò a spegnere l’aria condizionata sul set.

Il sudore che vediamo sui volti degli attori, quindi, in certi momenti non è semplicemente trucco. Il film venne girato principalmente ai Bavaria Studios di Monaco. Le riprese durarono poco più di un mese e gran parte del lavoro venne realizzato proprio all’interno della ricostruzione della sala ABC.

Ma una delle cose più riuscite di September 5 è probabilmente il modo in cui mescola filmati autentici e immagini ricreate. Guardando il film diventa spesso difficile capire cosa appartenga veramente al 1972 e cosa invece sia stato girato oggi. Alcune immagini sono realmente d’archivio. Altre sono state ricostruite e poi trattate per sembrare materiale televisivo dell’epoca. Persino alcune sequenze che sembrano assolutamente autentiche sono in realtà ricostruzioni. Una cosa, però, il regista non voleva ricrearla. Jim McKay.

La scelta di tenere il vero Jim McKay nella pellicola

Il celebre giornalista della ABC che raccontò gli eventi al pubblico americano non viene interpretato da un attore. Quando lo vediamo sui monitor della sala di controllo stiamo guardando realmente Jim McKay durante la trasmissione del 1972. Fehlbaum considerava quelle immagini praticamente impossibili da replicare.

Sul volto di McKay si vede infatti il progressivo cambiamento della situazione: dall’incertezza iniziale fino alla consapevolezza della tragedia. Ed è proprio questa autenticità che permette al film di unire continuamente cinema e documento storico.Anche la fotografia è stata studiata per aumentare la tensione senza che lo spettatore se ne renda conto.

Il direttore della fotografia Markus Förderer utilizzò ottiche e formati differenti a seconda del momento della storia. Durante le scene più tese cambia gradualmente anche la percezione dello spazio.Persino il leggerissimo tremolio delle luci e dei monitor venne studiato per rendere alcune sequenze inconsciamente più disturbanti.

Un dilemma che ancora oggi è senza risposta

L’aspetto più interessante di September 5 riguarda quello che il film racconta sul giornalismo. Quel giorno la televisione si trovò davanti a problemi che oggi conosciamo molto bene. Quanto si può mostrare durante una diretta? Quando una notizia è abbastanza verificata da poter essere trasmessa? Essere i primi è più importante che essere corretti?

E soprattutto: una telecamera può diventare involontariamente parte dell’evento che sta raccontando? Durante la crisi, infatti, gli attentatori potevano potenzialmente vedere in televisione quello che le forze dell’ordine stavano facendo all’esterno. Un problema enorme. E incredibilmente moderno.

Perché se nel 1972 tutto questo riguardava poche grandi televisioni, oggi chiunque può trasmettere immagini in tempo reale attraverso uno smartphone. Ed è forse proprio questa la forza principale di September 5. Non racconta soltanto l’attentato alle Olimpiadi di Monaco. Racconta il momento in cui la televisione si rese conto che trasmettere la realtà in diretta significa anche assumersi la responsabilità di decidere quale realtà mostrare. Ed è una domanda che, più di cinquant’anni dopo, continua a essere estremamente attuale.

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Il vantaggio, però, è legato a una condizione precisa: l’evento si svolgerà soltanto a Londra e richiederà l’acquisto di un biglietto. Il programma indica una durata complessiva di 97 minuti, in lingua inglese, con prezzi a partire da 10 sterline; i biglietti saranno in vendita dal 17 settembre, mentre i membri del BFI potranno prenotare una settimana prima. Al momento, nei canali ufficiali consultati, non è stata annunciata un’analoga proiezione anticipata in Italia.

La presentazione londinese metterà subito al centro il rapporto tra Visione e Ultron. Paul Bettany riprende il ruolo del personaggio dopo gli eventi di WandaVision, mentre James Spader torna nei panni dell’intelligenza artificiale antagonista; nel cast indicato dal BFI figura anche Ruaridh Mollica. Il ritorno del villain era già stato anticipato dal materiale promozionale dedicato al nuovo aspetto di Ultron, poi mostrato dal trailer anche con sembianze umane.

VisionQuest in anteprima: il debutto su Disney+ resta il 14 ottobre

Il passaggio al festival non modifica il calendario della serie: la pagina ufficiale di Disney+ indica il 14 ottobre 2026 come data di arrivo. La produzione viene presentata come il capitolo conclusivo della trilogia televisiva iniziata con WandaVision nel 2021 e proseguita con Agatha All Along nel 2024. Terry Matalas ha creato la serie per la televisione e figura anche tra i registi e gli sceneggiatori.

Secondo la presentazione ufficiale del D23, Visione si nasconde dopo essere sfuggito a chi voleva usarlo come arma e cerca un nuovo significato attraverso le intelligenze artificiali incorporate nella sua programmazione: F.R.I.D.A.Y., E.D.I.T.H., J.A.R.V.I.S. e Ultron. Una taglia interrompe il suo isolamento e lo costringe alla fuga con Thomas Shepard, un ragazzo che potrebbe essere la reincarnazione di suo figlio.

Il trailer pubblico amplia questa premessa mostrando lo spazio mentale di Visione e le incarnazioni umane dei programmi che abitano i suoi ricordi. James D’Arcy torna come J.A.R.V.I.S., Orla Brady interpreta F.R.I.D.A.Y. ed Emily Hampshire presta il volto a E.D.I.T.H.; uno dei nodi centrali è il confronto con Ultron, la cui influenza mette alla prova l’identità che Visione sta tentando di ricostruire. La serie riporta così il personaggio al centro del MCU senza trasformare il suo ritorno in una semplice ripresa del passato.

Per chi riuscirà a ottenere un biglietto, VisionQuest in anteprima sarà dunque un assaggio sostanzioso, non una semplice presentazione promozionale: due episodi completi prima dell’uscita in streaming. Per tutti gli altri spettatori, l’appuntamento resta su Disney+ dal 14 ottobre 2026. La proiezione del BFI potrà inoltre offrire le prime indicazioni sul tono della serie, ma non equivale a una distribuzione anticipata internazionale.

Che cosa vi aspettate dal ritorno di Visione e Ultron?

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TMZ ha pubblicato in esclusiva le foto dal set, che mostrano l’esclusiva tuta rossa di Damon. Si intravedono anche i coprotagonisti Sandra Oh e Charles Melton. La Oh sembra interpretare un’alleata, mentre Melton indossa una tuta blu come membro della squadra dotata di superpoteri di Damon.

Trama e dettagli su “Thasnagar” con protagonista Matt Damon

In una recente newsletter, Jeff Sneider ha condiviso i primi dettagli sulla trama:

“Da quanto ho sentito, si tratta fondamentalmente di un film sui Power Rangers… senza il nome. Segue un cast di giovani in costumi contrassegnati da colori diversi che si uniscono per combattere i kaiju con l’aiuto di un personaggio in stile supereroe interpretato da Matt Damon, il quale ha un assistente IA simile a Jarvis interpretato (non solo doppiato) da Sandra Oh. Il film, del tutto originale, non ha alcun legame ufficiale con i Power Rangers, ma mi è stato detto che l’influenza è piuttosto evidente e che i paragoni non mancheranno di certo”.

Altre fonti hanno descritto il progetto come un film di punta sui supereroi con il riscaldamento globale nel ruolo del cattivo che racconta una storia originale con personaggi unici e senza alcun legame ufficiale con il franchise dei Power Rangers, ormai inattivo. Tuttavia, l’omaggio visivo è innegabile. Secondo quanto riferito, la narrazione alternerà due linee temporali — gli anni ’80 e i giorni nostri — con la trama ambientata negli anni ’80 che seguirà le vicende di cinque giovani eroi.

Oltre a Matt Damon, il cast vede la partecipazione di Sandra Oh (Invincible; Killing Eve) insieme a cinque stelle nascenti: Sean Kaufman (The Summer I Turned Pretty; FBI: Most Wanted), Silvia Dionicio (Task; Chicago P.D.), Jackson Kelly (Imperfect Women; The Pitt), Kerrice Brooks (My Old Ass; The Stealthiles) e Thalia Dudek (Better Man; F1). A completare il cast di supporto ci sono John Leguizamo (John Wick; The Odyssey), Charles Melton (May December; Riverdale), Michael Gandolfini (Daredevil: Born Again; The Many Saints of Newark) e PinkPantheress.

Sebbene non sia stato ancora annunciato un titolo ufficiale, il titolo provvisorio attuale è il già citato Thasnagar. Anche se presumibilmente si tratta solo di un titolo provvisorio, il suffisso “-nagar” significa “città” o “paese” in sanscrito e hindi, suggerendo che potrebbe essere il nome dell’ambientazione fantascientifica del film, anche se al momento non è ancora chiaro.

Il film dovrebbe arrivare nelle sale a novembre 2027.

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Ravenloft promette un approccio più maturo, cupo e narrativamente ambizioso: un fantasy in cui l’avventura incontra la tragedia, la magia oscura e il destino inevitabile.

La nascita del Darklord: Strahd al centro della storia

Al cuore della serie troviamo Strahd von Zarovich, uno dei villain più celebri di Dungeons & Dragons. La storia esplorerà la sua trasformazione da anti‑eroe tormentato a vampiro immortale, dominatore dei Domains of Dread.

Sarà un viaggio fatto d’amore ossessivo, di potere corrotto e di scelte che conducono alla dannazione. Un racconto perfetto per chi ama personaggi complessi e atmosfere gotiche.

Introdotto nel 1983 da Tracy e Laura Hickman, Ravenloft è diventato uno dei mondi più giocati di Dungeons & Dragons. Ha generato romanzi, videogiochi, moduli da tavolo e migliaia di creazioni dei fan.

La sua estetica — nebbie, castelli, vampiri, magia oscura — è profondamente radicata nella cultura fantasy. Portarlo su Netflix significa dare vita a un universo che i giocatori conoscono bene e che il pubblico generalista amerà scoprire.

La serie si inserisce perfettamente nel filone dark del catalogo Netflix, accanto a titoli come Wednesday. Il coinvolgimento di Cuarón, già premiato con Oscar per Roma e Gravity, garantisce una qualità visiva e narrativa di altissimo livello.

John August, autore di cinque film di Tim Burton, porta invece la sua esperienza nel gotico cinematografico, rendendo Ravenloft un progetto con pedigree creativo unico.

Hasbro punta da anni a portare Dungeons & Dragons nel mondo live‑action. Dopo il film Honor Among Thieves e vari tentativi di serie, Ravenloft sembra essere il progetto più solido e ambizioso.

Parallelamente, HBO sta sviluppando Baldur’s Gate, con Craig Mazin dopo il successo di The Last of Us. Il mondo di Dungeons & Dragons sta vivendo una nuova era televisiva, e Netflix vuole guidarla.

Dungeons & Dragons continua a espandersi sullo schermo

Ravenloft non è solo un adattamento: è l’occasione per portare su Netflix un universo oscuro, romantico e profondamente narrativo. Con un team creativo di altissimo livello e uno dei villain più affascinanti del fantasy, la serie potrebbe diventare il nuovo punto di riferimento per gli appassionati di Dungeons & Dragons e per chi ama le storie gotiche.

Il Potere Arcano sta arrivando, avvolto nelle nebbie.

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Reynolds ha dichiarato di “non aver ancora capito” il significato del video, alimentando ulteriormente la curiosità dei fan. E quando gli è stato chiesto perché Thor piangesse mentre teneva Deadpool in Deadpool & Wolverine, la sua risposta è stata un’altra provocazione: “Lo voglio sapere anche io. Lo scopriremo.”

Deadpool è caos, sorpresa e rottura delle regole: il suo ritorno nel MCU promette di essere tutto questo… e forse anche di più.

Adria Arjona: l’azione di Onslaught l’ha preparata per Man of Tomorrow

Mentre Reynolds gioca con i fan, Adria Arjona parla del suo ruolo in Onslaught, dove interpreta Celeste, una madre single e ex cecchina dell’esercito che affronta supersoldati fuori controllo. Secondo Arjona, l’intenso addestramento e le scene d’azione del film sono stati la preparazione perfetta per il suo misterioso ruolo nel sequel di Superman, Man of Tomorrow, diretto da James Gunn.

Arjona ha spiegato che Onslaught le ha dato sicurezza e consapevolezza fisica, rendendola più pronta ad affrontare le acrobazie e le richieste del mondo DC. Le voci suggeriscono che potrebbe interpretare Maxima o Wonder Woman, accanto a David Corenswet, Milly Alcock, Aaron Pierre, Nathan Fillion e Xolo Maridueña.

Il suo entusiasmo indica che il personaggio sarà importante… e probabilmente molto potente.

La scena di Deadpool & Wolverine in cui Thor piange mentre stringe Deadpool è diventata virale. Reynolds non ha voluto spiegare nulla, ma la sua reazione lascia intendere che la scena avrà un peso narrativo in Avengers: Doomsday.

Deadpool è noto per rompere la quarta parete, manipolare la trama e creare caos narrativo. Se thor piange, significa che qualcosa di enorme è accaduto… qualcosa che potrebbe collegarsi direttamente al multiverso e al ruolo di Deadpool nella nuova era degli Avengers.

Il Potere Inarrestabile di Deadpool nel futuro del MCU

Deadpool non è solo un personaggio: è un detonatore narrativo. Ryan Reynolds continua a giocare con i fan, ma ogni sua parola lascia intendere che Wade Wilson avrà un ruolo fondamentale in Avengers: Doomsday. Parallelamente, Adria Arjona si prepara a entrare nel mondo DC con un personaggio che potrebbe ridefinire l’equilibrio del nuovo universo di James Gunn.

L’Impatto Infinito del superoe delle nuove figure del cinema supereroistico è già iniziato, e il pubblico è pronto a seguirlo ovunque.

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Nel video compaiono rapidamente Wendy, interpretata da Sydney Chandler, e Hermit, interpretato da Alex Lawther, oltre ad alcuni marine mentre fanno irruzione all’interno del centro di ricerca. Tra le immagini più interessanti c’è anche quella di un modellino di Chestburster, dall’aspetto decisamente minaccioso, infilzato su un bastone.

Alien: Pianeta Terra 2, nuovi ingressi nel cast

La seconda stagione di Alien: Pianeta Terra vedrà inoltre l’ingresso di tre nuovi attori nel cast: Tracey Ullman, nota per Tracey Ullman’s Show, Sam Spruell, recentemente visto in A Knight of the Seven Kingdoms, e Jerome Flynn, conosciuto soprattutto per Il Trono di Spade.

I tre si uniranno a Peter Dinklage, già annunciato in precedenza. Al momento, tuttavia, non sono stati rivelati dettagli sui personaggi che interpreteranno.

La seconda stagione ripartirà dagli eventi del finale della prima, intitolato The Real Monsters. L’episodio si è concluso con Wendy, Hermit e gli altri ibridi, insieme a due xenomorfi, che prendono il controllo del centro di ricerca Prodigy e imprigionano Boy Kavalier, Kirsh, Dame Sylvia, Atom Eins e Morrow.

Per gli ibridi si tratta di una vittoria importante, ma tutto lascia pensare che possa essere destinata a durare molto poco.

Noah Hawley anticipa il futuro di Alien: Pianeta Terra

Poco dopo la messa in onda del finale, Noah Hawley aveva anticipato a Empire alcune delle conseguenze del colpo di stato degli ibridi e le difficoltà che Wendy e gli altri protagonisti dovranno affrontare nella seconda stagione.

Quel momento in cui si dice “Ora comandiamo noi” è un momento davvero esaltante per il pubblico. E poi la domanda è… beh, è stato un momento esaltante anche quando Dustin Hoffman è corso fuori dalla chiesa e sono saliti sull’autobus [in Il laureato]. Ma cosa succede dopo?» ha detto Hawley a Empire. «Le navi [della Weyland-Yutani] stanno arrivando e non hanno altro che problemi.

Uno degli obiettivi della seconda stagione sarà quindi quello di mostrare le immediate conseguenze della presa di potere degli ibridi, ma Hawley sembra intenzionato anche ad ampliare notevolmente gli orizzonti della serie.

Il creatore di Alien: Pianeta Terra ha infatti espresso il desiderio di andare oltre l’isola e mostrare altre aree della Terra controllata dalle grandi corporazioni. Un’espansione che appare particolarmente significativa considerando proprio il titolo della serie: Alien: Pianeta Terra.

Mi interessa esplorare le dinamiche politiche aziendali che ne derivano», ha aggiunto. «Come abbiamo visto, le aziende e i miliardari esercitano un’irresistibile attrazione gravitazionale verso il monopolio. C’è un po’ di Game of Thrones nel mondo aziendale che trovo interessante. Credo che la storia dell’autonomia di questi bambini rimanga il cuore della serie, ma Alien ruota sempre attorno ai livelli di contenimento.

Hawley ha poi spiegato come il concetto di contenimento continuerà a essere centrale nella storia:

L’isola rappresenta un livello di contenimento, e cosa succede quando ci si espande oltre quel livello? In definitiva, la serie si chiama Alien: Earth. So che, considerando il canone, non posso far esplodere la Terra, ma credo che mantenere il contenimento sarà molto difficile.

Dato che è una storia sull’umanità intrappolata tra la natura che cerca di ucciderci e la tecnologia che abbiamo creato, che sembra anch’essa volerci uccidere, mi sembra molto simile al mondo in cui vivo», aggiunge, «e quindi sento che ci sono molti spunti di riflessione

La trama di Alien: Pianeta Terra

La storia di Alien: Pianeta Terra è ambientata nel 2120, quando la Terra è governata da cinque grandi corporazioni: Prodigy, Weyland-Yutani, Lynch, Dynamic e Threshold.

In questo futuro dominato dalle aziende, cyborg, esseri umani dotati di componenti biologiche e artificiali, e sintetici, robot umanoidi dotati di intelligenza artificiale, convivono con gli esseri umani.

L’equilibrio cambia quando il geniale fondatore e CEO della Prodigy Corporation scopre una nuova tecnologia legata all’immortalità: gli ibridi, robot umanoidi dotati di coscienza umana. Il primo prototipo, chiamato Wendy, segna l’inizio di una nuova era.

Quando l’astronave da ricerca USCSS Maginot della Weyland-Yutani precipita sulla Terra, Wendy e un gruppo eterogeneo di soldati delle forze speciali si trovano di fronte a una scoperta fatale, entrando in contatto con alcune delle forme di vita più pericolose mai apparse sul pianeta.

Il cast di Alien: Pianeta Terra 2

Nel cast di Alien: Pianeta Terra figurano Sydney Chandler, Alex Lawther, Timothy Olyphant, Essie Davis, Samuel Blenkin, Babou Ceesay, David Rysdahl, Adrian Edmondson, Adarsh Gourav, Jonathan Ajayi, Erana James, Lily Newmark, Diem Camille e Moe Bar-El.

Il cast di supporto comprende inoltre Richa Moorjani, Karen Aldridge, Andy Yu, Enzo Cilenti, Max Rinehart, Amir Boutrous, Victoria Masoma, Tom Moya, Michael Smiley, Jamie Bisping e Tanapol Chuksrida.

Con l’arrivo della seconda stagione, Alien: Pianeta Terra sembra quindi pronta ad ampliare la propria mitologia, portando la storia oltre i confini dell’isola e approfondendo il conflitto tra gli ibridi, le corporazioni e le terrificanti creature aliene che minacciano l’umanità.

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Gal Gadot ha debuttato nei panni di Wonder Woman in Batman v Superman: Dawn of Justice, prima di diventare protagonista di due film solisti dedicati al personaggio e di apparire in diversi capitoli del DC Extended Universe sviluppato sotto la supervisione di Zack Snyder.

La visione del regista, caratterizzata da un tono più cupo e dalla tendenza a rappresentare i supereroi come figure moralmente complesse e ambigue, ha diviso profondamente critica e pubblico. Allo stesso tempo, però, ha contribuito alla nascita di una fanbase estremamente affezionata al suo progetto per l’universo DC.

La situazione è diventata ancora più complicata dopo l’uscita di Snyder dal DCEU nel 2017. I film successivi hanno progressivamente perso una direzione comune, mentre Warner Bros. ha tentato più volte di modificare la propria strategia per rilanciare un universo cinematografico che stava affrontando difficoltà sia al botteghino sia sul piano della ricezione critica.

Dopo quel periodo particolarmente travagliato, James Gunn e Peter Safran sono stati incaricati di guidare il rilancio dell’universo DC. Nel nuovo progetto dei DC Studios è attualmente in sviluppo anche un film dedicato a Wonder Woman, ma senza il ritorno di Gal Gadot nel ruolo.

L’attrice, tuttavia, ha recentemente spiegato che sarebbe disposta a tornare nei panni di Diana Prince qualora si verificassero determinate condizioni.

Se Zack tornasse a dirigere la DC, tornerei anch’io – ha dichiarato Gadot in una nuova intervista con JoBlo Celebrity Access.

La dichiarazione è arrivata in risposta a una domanda diretta sulla possibilità di un suo ritorno qualora Snyder avesse l’opportunità di realizzare Justice League 2 e Justice League 3, oppure un nuovo film di Wonder Woman.

L’ipotesi è stata avanzata dal conduttore alla luce della continua incertezza legata alla fusione tra Warner Bros. Discovery e Paramount Skydance. Le parole di Gadot arrivano inoltre dopo alcune recenti dichiarazioni rilasciate dall’attrice al podcast Happy, Sad Confused, durante il quale ha criticato il modo in cui i DC Studios hanno gestito sia la sua uscita dal ruolo di Wonder Woman sia quella di Henry Cavill nei panni di Superman.

Gal Gadot tornerà mai a interpretare Wonder Woman?

Al momento, un ritorno di Zack Snyder alla guida dei DC Studios appare estremamente improbabile, soprattutto considerando l’attuale situazione societaria.

L’acquisizione di Warner Bros. Discovery da parte di Paramount Skydance non è ancora stata completata, anche a causa di una causa antitrust promossa da una coalizione di procuratori generali statali, che ha portato allo slittamento del processo a marzo 2027.

Anche qualora l’operazione dovesse andare a buon fine, però, un cambiamento radicale ai vertici dei DC Studios non sembra essere lo scenario più probabile. Paramount avrebbe infatti intenzione di mantenere James Gunn e Peter Safran alla guida dello studio, garantendo loro una sostanziale continuità creativa.

Di conseguenza, indipendentemente dall’esito della fusione, un ritorno di Snyder nell’universo DC appare oggi molto difficile, almeno nel breve periodo. Un eventuale cambio di leadership potrebbe verificarsi soltanto qualora i prossimi film dei DC Studios ottenessero risultati significativamente inferiori alle aspettative.

Anche in questo caso, tuttavia, un ritorno alla visione di Snyder non sarebbe necessariamente la soluzione più probabile. Dopo le controversie legate alla sua gestione del DCEU e gli ingenti investimenti richiesti dai suoi progetti, i dirigenti potrebbero preferire una nuova direzione creativa piuttosto che recuperare il passato.

Il futuro di Gal Gadot nei panni di Wonder Woman

A rendere ancora più complesso un eventuale ritorno di Gal Gadot è anche il momento delicato attraversato dalla sua carriera cinematografica.

Il thriller The Runner, recentemente arrivato su Prime Video, ha debuttato con un punteggio del 9% su Rotten Tomatoes, il risultato più basso della carriera dell’attrice, dopo una serie di produzioni che non hanno ottenuto l’impatto sperato.

Anche Biancaneve della Disney, nel quale Gal Gadot interpreta la Regina Cattiva, ha concluso la propria corsa nelle sale con un incasso mondiale di 205,7 milioni di dollari, a fronte di un budget di produzione superiore ai 270 milioni, diventando uno dei remake live-action più costosi mai realizzati dallo studio.

A questi risultati si aggiunge Cuore di Pietra, thriller prodotto da Netflix con un budget di circa 150 milioni di dollari, che ha ottenuto un punteggio del 31% su Rotten Tomatoes.

Persino Wonder Woman 1984, il secondo film solista dedicato all’eroina, ha ricevuto un’accoglienza decisamente più negativa rispetto al primo capitolo, diventando oggetto di numerose critiche da parte del pubblico.

Il futuro di Gal Gadot come Wonder Woman resta quindi incerto. A questo si aggiungono le controversie legate alle sue dichiarazioni e al suo sostegno pubblico a Israele nel contesto della guerra a Gaza, un elemento che ha contribuito a rendere ancora più divisiva la figura dell’attrice.

Per un personaggio come Wonder Woman, concepito come simbolo universale e figura eroica, eventuali controversie che coinvolgano l’interprete possono infatti rappresentare un ulteriore ostacolo per uno studio cinematografico.

Al momento, dunque, sembra improbabile rivedere presto Gal Gadot nei panni di Diana Prince. Un ritorno non è però completamente escluso: la stessa attrice ha chiarito che sarebbe pronta a indossare nuovamente il costume di Wonder Woman se Zack Snyder tornasse alla guida della DC.

Per ora, tutte le apparizioni di Gadot nel DCEU restano disponibili su HBO Max, compreso il primo Wonder Woman, ancora considerato uno dei capitoli più apprezzati dell’intero universo cinematografico DC.

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Tuttavia, il produttore David Heyman ha ora rivelato perché la sua esperienza con la serie cinematografica si è limitata a un solo film. Heyman, che ha prodotto tutti e otto i film della saga con Daniel Radcliffe come protagonista e che ora è produttore esecutivo della prossima serie TV di Harry Potter per HBO, ha riflettuto sull’abbandono di Cuarón durante l’ultima puntata di Harry Potter: The Official Film Podcast.

Secondo il produttore veterano, il regista era esausto dopo aver portato «Il prigioniero di Azkaban» sul grande schermo. Quando gli è stato chiesto se volesse tornare per il quarto film, Cuarón sembra aver espresso molto chiaramente la sua posizione.

La decisione di Cuaron sull’abbandono di Harry Potter e Il Calice di fuoco

«Abbiamo chiesto ad Alfonso se volesse dirigere il quarto film, e lui ha risposto: “Cabrón”», ha ricordato Heyman (tramite SFFGazette.com).

“Penso che fosse esausto. Guardo le foto di Alfonso di quel periodo – Alfonso è uno dei miei migliori amici, è il padrino di mio figlio e gli voglio bene. Ma lo guardo in quelle foto di allora, e mi limito a guardarlo… Perché era esausto”.

È stata un’esperienza molto diversa da quella che Heyman ricorda di aver avuto con Chris Columbus, che ha diretto i primi due film, «Harry Potter e la pietra filosofale» e «Harry Potter e la camera dei segreti».

“Chris sembrava un ragazzino. Era incredibile. Alfonso, invece, non aveva più nulla da dare. Ha detto di no». Tuttavia, anche Columbus decise di non proseguire con la saga dopo La camera dei segreti, sebbene le sue ragioni fossero leggermente diverse. Heyman ha spiegato che il regista voleva riportare la sua famiglia in America.

Chris Columbus tornava in aereo a San Francisco ogni fine settimana durante la fase di preparazione. Partiva il venerdì sera e tornava in aereo la domenica per essere di ritorno lunedì mattina presto, perché riteneva fosse fondamentale vedere la sua famiglia e non stare lontano da loro. Poi si sono trasferiti. Ma era durante l’anno scolastico e dovevano finire l’anno scolastico.

Heyman continua ad apprezzare enormemente ciò che Columbus ha apportato alla saga, riconoscendogli il merito di aver sostanzialmente dato vita alla versione cinematografica del Mondo Magico e di aver creato l’atmosfera che avrebbe caratterizzato i film successivi.

Cuarón, nel frattempo, alla fine passò il testimone a Mike Newell, che ebbe il compito poco invidiabile di adattare Harry Potter e il calice di fuoco. Non ebbe vita facile, dato che Heyman ha rivelato che Newell era assolutamente distrutto alla fine della produzione, sottolineando quanto fosse impegnativo portare sul grande schermo le storie sempre più ambiziose di J.K. Rowling.

Ci sono già stati alcuni indizi che la serie TV non si sta rivelando affatto più facile da gestire. All’inizio di quest’anno è stato confermato che Jon Brown, sceneggiatore della prima stagione, è stato promosso a co-showrunner della seconda stagione. Si unisce così a Francesca Gardiner, che era l’unica showrunner di “La pietra filosofale”. Potete vedere l’intervista completa a Heyman qui sotto.

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L’attore, noto per aver interpretato i ruoli da protagonista di Frank-N-Furter nel film cult del 1975 The Rocky Horror Picture Show e di Pennywise il Clown nella miniserie del 1990 It, tratta dal romanzo di Stephen King, è deceduto il 25 agosto nella sua casa di Toluca Lake, a Los Angeles, all’età di 80 anni. La sua manager e amica di lunga data, Marcia Hurwitz, ha confermato la notizia a The Hollywood Reporter il 26 agosto.

I documenti riportavano inoltre una storia di ictus e cancro ai reni come altre patologie significative che hanno contribuito al suo decesso. Tuttavia, nessuna delle due è stata indicata come causa primaria.

L’ictus e le conseguenze della malattia di Tim Curry

Tim Curry, che ha lavorato anche in Clue, aveva subito un grave ictus nel 2012. Aveva parlato di quell’ictus in un’intervista dell’ottobre 2025 con Ben Mankiewicz, conduttore di Turner Classic Movies, andata in onda su CBS Sunday Morning.

“È stato davvero strano», ha raccontato. “Mi stavo facendo fare un massaggio e il massaggiatore mi ha detto: “Sono preoccupato per te. Credo che dovremmo chiamare un medico”. Mi sentivo bene. Non avevo sintomi di cui fossi consapevole. Non provavo dolore”.

Curry ha raccontato di aver avuto «paura» perché suo padre aveva subito un ictus fatale quando lui aveva 10 anni. A seguito dell’ictus, Tim Curry si è sottoposto a un intervento chirurgico al cervello e a un percorso di riabilitazione:

“Ho dovuto imparare di nuovo a parlare. È stata un’esperienza molto strana. Odiavo non riuscire a parlare», ha raccontato, aggiungendo che la parte sinistra del suo viso era rimasta paralizzata.

Tim Curry era molto amato anche per i suoi ruoli in Monty Python’s Spamalot, Annie, Mamma ho perso l’aereo: Mi sono smarrito a New York e altri film.

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